1. 艺术曾是专名

“艺术”是什么？

  • 抽象本质。艺术的研究（艺术史、风格史、形而上学），总是遵循一种循环论证范式：假定总结了地球上保留下来的一切艺术品，并将他们还原为共同的本质。艺术是关于人的，而不是关于抽象本质。形而上学家
  • 共识。通过共识，我们把我们称之为（共同认同它为）艺术的东西叫作艺术。但是“共识”被社会学否定。先验的某些东西
  • 前卫艺术（正在生成的艺术）的历史学家，对艺术时间的（非本体论的）回顾确认。
    • 艺术在发生。追溯先验的东西，追溯语言符号。海德格尔
    • “前卫”艺术的自我否定，冲突和矛盾其实是艺术的结构所在。黑格尔
  • 感性的审美判断，来自不确认的情感。“艺术”只是一个共名，而不是抽象概念。

“艺术（鉴赏）家”是什么？

  • 艺术批评家，是喜爱艺术，处于艺术之中的。
  • 历史学家，历史是一个可以不断上诉的法庭。不断重新判断，对“前提”保持怀疑。

艺术理论，不能建立在艺术之上。因为理论是理性的，而艺术是感性的。（实际上可以争辩，理性是建立在感性之上的。）理论需要是可证伪的。

  • “艺术”是一个指称，而没有意义，没有被归于某一个概念之下：
    • 专名理论（穆勒），专名或单名（proper or singular names）（不同于通名或普通名词 general names or common nouns）意味着只能拈出一个个体，没有内涵只有外延。专名可以有特指功能却没有描述功能。
    • 弗雷格、罗素、塞尔，认为专名或单名有内涵（意义），是多个摹状语的集合（cluster concept）。
    • 克里普克，专名都是严格指示词（rigid designators），重要的是它的指称而不是意义。无论有多少摹状语，专名还是为了特指那个具体的个体。
  • “审美判断”比较（类似类比的具体的比较）人们的（“艺术的”）情感——指向当下的某个东西的，引起的特殊的联想的情感。（逻辑的）艺术解释，是建立在这些非理性的情感之上的。
  • 艺术的“理念”来自（也属于）每个人，但是是在社会环境（社会关系）之上的——由此被赋予了一定的普遍性。

前卫与传统：

  • 前卫：艺术的辩证意义。艺术不是被事先给予的，也不是继承得来的，而是被规定为新颖性的那种辩证意义，正是它的历史性本身。
  • 传统：法理学。传统也包含了：传承、转译和背叛。

后现代：

  • 现代性：其艺术实践和艺术批评都由作为专名的艺术理念加以调节的时代。
  • 后现代：与现代的关系被打破，强调断裂和背叛。～杜尚（Duchamp）的《泉》，嘲弄权威的方式，也是一个检验，对艺术的体制（内部的循环论证）的检验。

2. R.Mutt事件

对艺术体制的反抗。

  • 艺术体制的循环论证：（1）调用论：某物是艺术，是因为一个艺术家这么说；（2）语境论：某物是艺术，因为语境（比如博物馆、美术馆）是这么规定的。
  • 当时的事实，艺术只有通过比较才能获得合法性，而这种比较只能针对早已合法的东西进行，合法化只能来自过去。
  • 1912年《下楼梯的裸女》被巴黎独立艺术家协会拒之门外。
  • 1917年纽约独立艺术家协会的展出（任何人都可以参展），《泉》的出现是对这个体制的检验。理事会最终拒绝《泉》向公众展出。
    • 对所谓“自由”的讽刺。
    • 《盲人》漫画，讽刺公众对现代艺术是盲目的。
\[\frac{《下楼梯的裸女》}{巴黎独立艺术家协会} = \frac{（《下楼梯的裸女》）}{（军械库展览）} = \frac{《泉》}{纽约独立艺术家协会}\]

3. 现成品与管装颜料

背景：

  • 绘画的衰弱：（1）客观状况让绘画作为手艺变得无用；（2）主观感受让绘画不可能再作为传统。
  • 抛弃具体的指称物，不再及物地（transitively）画，而是反身地（reflexively）画。构想“无物的世界”（Gegenstandslose Welt），这个世界充满着意在令自己可见的形式和色彩，而你在画画时一直受到绘画乃是*纯粹可见性*（pure visibility）观念的引导。

3.1 现成品

纯粹色彩：

  • 康定斯基。早期抽象主义，还原并寻找绘画的共性、本质，寻找一般抽象。
    • 纯粹色彩：“人们称作色彩的…奇怪的存在物”。
  • 杜尚：现成品，“…创作就是不停地选择。所以，为了选择，你可以使用管装颜料，可以使用画笔，但是你也可以使用一件现成的东西。”，管装颜料最初也是一种现成品。
    • 纯粹色彩：“被叫作颜料的加工对象”，是现成品。
    • 放弃手艺本身的“内在必然性”。保留了天才和机智。

创作的不可能性（铁的不可能性），工业化之后熟练创作“不可能”（或者说丧失了传统的意义用处），人们好像不应该再画画了。杜尚也停止了绘画。以至于绘画在其潜在的、未实现的状态中还永远保持着可能性。 摄影或电影要比绘画具有更多的艺术，因为这些新的文化形式还未被剥夺社会功能，它们还能瞥见一种真在的流行艺术的可能性。

3.2 创作+鉴赏

分光法——通过使用管装颜料：

  • 相对于外光法（plein-airism），画家亲自研磨与调制颜料，直接对应自然中的颜色。
  • 管装颜料也把分工引进到绘画中。绘画的现代主义，一部分上是画家反对劳动分工的抵抗。
    • 分光法创立了新的美学上的劳动分工。创作者使用现成编号的管装颜料，观众则主动合成不同颜色成为一个积极的合作者——鉴赏家参与了创作。